¡QUÉ HARÍAS CON UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD?

Hoy vamos a escuchar un tema del genial Dave Grusin, que ha compuesto varias BSO para filmes de Sidney Pollack como "Yakuza"(1975), "Los tres días del Condor"(1975), "Tootsie"(1982), , "Habana"(1990), "Random Hearts"(1999) o  "The Firm" (1993).

Como con esta entrada estrenamos esta sección quiero ponerlo fácil. Os dejo a continuación un manojo de pistas que os pueden servir:

Pista 1 - El guión está escrito a tres manos. Un co-guionista (y ocasionalmente director) había sido guionista no acreditado en "The Godfather"(1972), coincidido con Grusin en el trabajo para "The Graduate"(1968); también coincidió con el actor principal en varios filmes, entre ellos "The Parallax Viev"(1974) y "Shampoo"(1975). Además guioniza para este mismo director, Sidney Pollack, las tramas de "Yakuza" y "The Firm". Como véis, todo un cruce contínuo de genialidades.

Pista 2 -  Michael Igor Peschkowsky (alias Mike Nichols), fué junto a Alan Arkin y la segunda co-guionista de la película propuesta, el creador de la compañía teatral "The Compass", interviniendo ésta como actriz en el filme por el que Nichols ganó su Oscar en 1967 ("The Graduate").

Pista 3 -  Hay otro filme del año 1943 que lleva el mismo título original y cuya peripecia argumental es algo coincidente. En este filme la estrella era Gene Tierney (por cierto, es la única película en color de un director que figura en todos las antologías de comedias clásicas y que dirigió justo un año despues de una de sus más famosas comedias en la que no deja muy bien parados a los nazis).

Pista 4 - palabras clave: quaterback, flauta, fantasía&comedia.

Pista 5 - Los siguientes fotogramas de la película:

 
 ¿ya  habéis adivinado la película ? La solución en la próxima sesión... ¡No os olvidéis de ir al cine!

THE LAST WINTER

El filme de Larry Fessenden, multifacético cineasta americano, plantea desde el propio título esa dualidad de sentido posible. La pregunta:¿es el último invierno para los personajes que desfilan por el filme, o para todo el género humano?. The Last Winter Confiando en poder publicar más información sobre la trilogía del horror ( No Telling, Habit y Wéndigo ) del productor-cineasta Larry Fessenden, publico este artículo sobre su filme del año 2007 “The Last Winter”.

 El paisaje ártico: algo más que el espacio de la aventura

 En el filme, la protagonista visual es la tundra ártica. Un elemento polisémico que han utilizado distintos géneros, bien como escenario para la gesta épica (Jeremiah Jonson, 1972), o la aventura de supervivencia (Vertical Limit, 2000, Cliffhanger, 1993). Pero también es, en un sentido más metafórico, uno de los escenarios de la soledad y el aislamiento extremo. En efecto: tanto el desierto como el paisaje nevado tiene la misma textura emocional que las insondables negruras del espacio exterior.Es esa imagen de espacio vaciado, exento de anclajes y fronteras lo que confiere a cualquier asentamiento humano en ese espacio , se hable de la nave Nostromo (Alien,1979) o de la cabaña-refugio de unos chicos en medio de la nevada (Dead Snow, 2009), ese carácter de frágil matriz protectora. Esa misma inseguridad transmite la estación base que se ubica en ese remoto punto de Alaska.

De entrada parece que tenemos a la vista un “Artic horror tale”, pero esto es sólo una apariencia. Por otra parte, es espacio nevado es también uno de los paradigmas icónicos más ecologistas , junto con la selva amazónica o el fondo de los mares. Del mismo modo que en los desiertos filmados por David Lean, tenemos aquí un escenario primario, referencial, reserva de la pureza originaria del planeta, antítesis de las geometrías invasoras o degradantes urbanismos perpetrados por el hombre en la mayor parte de la superficie terrestre. Pero, ¿con qué opción se queda Fessender? ¿Funciona el elemento blanco como escenario del horror o como homenaje visual a los últimos reductos vírgenes? Tal vez haya una tercera opción.

 El mensaje: el hombre es un lobo para el medio ambiente

 El filme muestra una acción-reacción. La acción de los intereses empresariales en perforar capa de permafrost para desangrar una de las últimas zonas vírgenes del planeta. Y la reacción de la propia naturaleza ( y aquí aparece el elemento telúrico y mitológico). Fessender recurre a la nieve como escenario para evocar antíguas creencias- la mitología de los nativos americanos- cuyo enunciado sustituirá en el tramo final del filme a la insaciable motivación de la especie animal más invasiva que se obstina en justificar con cualquier argumentario la explotación extrema de los recursos naturales. No es difícil sentirse tentado a comparar esta película con “The Thing” de Carpenter, guiados tal vez por su misma filiación genérica, la del género fantástico. Pero aunque el cineasta neoyorquino utiliza lugares comunes : espacio aislado donde conviven un grupo de personajes ( Alien, Dead Snow, Vienres 13, The Thing ), con distintos puntos de vista y que van desapareciendo uno a uno, en “The Last Winter” el tono y la intención se alejan de la senda trazada por sus parientes de género : el objetivo no es mostrar el itinerario del horror, sea a causa de psicópatas o alienígenas. No es casual que se evite el efectismo gore tan frecuente en otros filmes. Las muertes se presentan de un modo naturalista y resignado, y se mantiene hasta el último tercio del filme una ambígua y calculada atmósfera . En ese último tercio aparece el elemento fantástico, materializado en una figura con apariencia híbrida, casi traslúcido porque los espíritus suelen ser puro viento, como esas ráfagas inesperadas que sorprenden y alarman a los miembros de la estación base. Figura cercana en su aspecto gráfico a cómo se ha representado en la mitología de los primeros americanos del norte y la zona de Canadá. Esa presencia sobrenatural aparece como la metáfora de la reacción definitiva frente a las agresiones extremas sobre el planeta, encarnadas aquí en el paradigma moderno de la degradación: la extracción de petróleo en zonas teóricamente intocables. Fessenden pretende aportar, más allá de la información mediática o la divulgación científica, una forma diferente de agitar conciencias. Y utiliza como pretexto su relato de terror ártico para endosar un mensaje, más simbólico que discursivo, acerca de los inquietantes efectos del calentamiento global.

Es el augurio que se oculta bajo las palabras del protegido de Pollack, la primera víctima de las alucinaciones: “..algo está ocurriendo ahí fuera … Qué es el petróleo sino un grupo de cadáveres fósiles … Estamos destapando un cementerio.” Y esta es la idea del eco-mensaje de Fessenden: la naturaleza dañada va a responder , liberando tal vez esos espíritus vengativos que aquí toman el aspecto del Wéndigo.

 El “ espíritu del Wéndigo “ o la versión alternativa del fin del mundo 



En el manual de la OMS, el trastorno de Wéndigo aparece como un síndrome cultural. Es un tipo de trastorno mental que se producía entre algunas tribus amerindias de Canadá y Alaska. La persona que la sufría dejaba de comer, padecía náuseas y episodios de insomnio o alucinaciones, como los miembros de la estación base. Las alucinaciones podían derivar en la conversión en un caníbal, en una bestia. Wéndigo es también el nombre que se daba a una figura mitológica por estas mismas tribus, y que representaban como a una criatura gigante de apariencia animal y que se suponía era la personificación de la llamada atávica que los bosques profundos y la naturaleza más salvaje provoca en los hombres. Si se tiene en cuenta esta referencia mitológica, presente ya en su anterior película “ Escalofrío” ( Wéndigo, ) podemos obtener un sentido más verosímil a los acontecimientos de la trama. Fessenden reformula el mito para acercarlo al propósito de su filme , convirtiendo al Wéndigo en una entidad etérea, más espiritual que física, y que se encarna al principio en ese viento violento e inesperado que altera las conductas de los personajes para ser luego algo más letal. Es la alegórica presencia de los espíritus vengativos de Gaia, la madre Tierra, los heraldos que anuncian el exterminio , una visión de resonancias bíblicas pero de referentes muy reales.

 En resumen

 Destacar la calculada ambigüedad con que Fessenden, en la mayor parte del metraje, consigue provocar en quien mira cierta incomodidad y espectación. El espectador se siente perdido no ya en medio del infinito espacio blanco sino en dentro del dilema que destila la propia trama: no sabe si atribuir lo que diezma a la base a los efectos del frío ártico ,a un fortuito escape de gas del subsuelo, o a algo más críptico y “lovecraftiano”. Es en las secuencias finales donde se produce el giro de sentido que presenta de un modo alegórico la advertencia ecológica: su provocación busca antes repensar la vital relación maternofilial entre el individuo y la Tierra que lo sustenta, que la sacudida adrenalítica a través de los resortes subconscientes del miedo como podría sugerir el género de afiliación del filme. Tal vez la subtrama del triángulo amoroso entre Pollack ( Ron Perlman), Abby ( Connie Britton) y el medioambientalista Hoffman (James LeGros) rebaje un poco la intensidad de esa atmósfera inquietante y premonitoria que repta – más que fluye – con sospechosa lentitud hacia un inefable destino, lentitud que concluye abruptamente en esa climática secuencia final. Final que es planteado en dos movimientos ágiles ; una elipsis que nos traslada desde la tundra ártica a un hospital donde Abby parece despertar de un sueño , seguida por un contrapicado de cámara en el exterior en el que Fessender combina con acierto el impacto visual del epílogo de “The Planet of the Apes” con la perturbadora sugerencia de lo que sucede fuera de campo.

DINNER AT TEN

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"Eran sobre las nueve y media y fingíais esperar el primer plato.
Le pellizcabas la oreja a la tacita de porcelana. La infusión estaba caliente. Soplaste con fuerza con afán de enfriar en un segundo el líquido y eso denunció tu impaciencia.
Miraste su corbata verde botella que ya no te gustaba. En realidad se la habías regalado en alguno de sus cumpleaños. El gesto de a un lado de tu boca hizo el comentario.
Por debajo de la mesa permanecían, rígidas y distantes, tus preciosas piernas que ya sólo se desnudaban en público.
Una de ellas empezó a temblar, como tocando un cháston imaginario.
La cena no pasó en un suspiro.Cuando llegó el postre, el camarero ya había dejado de apostar por que lo vuestro durase otra cena (los camareros que trabajan aquí tienen un sexto sentido para detectar relaciones que comparten mantel y agonía.
... Así fué más o menos como ocurrió.
No hace falta saber leer los labios para darse cuenta de que él jamás los volvería a besar.
La despedida fué brevísima. Ella se levantó y debió decirle algo como "hasta aquí llegamos. No aguanto más. Voy a dejarte". Claro que pudieron ser otras palabras. Hay todo un repertorio de frases para estos casos.
Luego desapareció por la puerta sin girarse. Él miró hacia los lados y cayó en la cuenta de que el resto de las mesas estaban a lo suyo, a años luz de aquella escena.
Luego esperó a que se enfriase su infusión y su cara para pagar la cuenta.
Le deseé buenas noches y volví a lo mío. Mientras distribuía por las mesas vacantes a los nuevos comensales se me ocurrió pensar que yo era un hombre afortunado por no tener una corbata verde.

by Pine Lighwood